Neun Planeten, neun Monate Schwangerschaft und neun Katzenleben. Zahlen sind mehr als neutrale Werte und bloße Mengenangaben, auch wenn wir sie meistens als solche betrachten. Manche Zahlen widersetzen sich dieser bescheidenen Anschauung geradezu.
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Über Kulturen hinweg gewinnen Zahlen an Bedeutung, bilden Muster und wecken Assoziationen. Unter ihnen nimmt die Zahl Neun einen besonderen Stellenwert ein. Wenn die Sieben Vollendung andeutet und die Acht einen Schritt darüber hinaus, dann steht die Neun am Rand: der letzte Punkt vor der Erneuerung, der Gipfel vor der Wende. Kein Wunder, denn die Neun ist das Quadrat der Drei, und die Drei selbst ist die bedeutendste und magischste aller Zahlen: Die Neun ist also sozusagen die Göttlichkeit im Quadrat!
Sie ist die Zahl der Vollendung – aber nicht der Ruhe. In der Zahl Neun liegt eine Art Unruhe, wie man sogar aus ihrem mathematischen Verhalten erahnen kann. Wie weit sich die mit Neun teilbaren Zahlen auch erstrecken mögen – addiert man ihre Ziffern, führen sie stets wieder zur Neun zurück: 18 (1+8=9), 27 (2+7=9), 36 (3+6=9) und so weiter. Die Neun wirft die Dinge auf sich selbst zurück, als markiere sie eine Grenze, jenseits derer Veränderung stattfinden muss.
Ein weiteres mathematisches Beispiel hierfür: Man nehme drei beliebige Zahlen mit unterschiedlichen Ziffern (zum Beispiel 541) und kehre sie um (145). Zieht man die kleinere Zahl von der größeren ab, ergibt sich als mittlere Zahl immer eine Neun: 396. Die Neun ist die letzte einstellige Zahl – eine Grenzzahl, und dieses Gefühl der Begrenzung findet sich auch im menschlichen Denken immer wieder.
Das vielleicht verblüffendste Beispiel für die mathematischen Eigenschaften der Zahl Neun sind die neun Felder auf jeder Seite eines Sudoku-Gitters. Im Jahr 2005 berechnete Bertram Felgenhauer vom Institut für Informatik der TU Dresden, dass es 6.670.903.752.021.072.936.960 verschiedene Kombinationen auf einem Sudoku-Gitter gibt. Wow, eine ziemlich beeindruckende Zahl! Aber wenn wir diese auf eine einstellige Zahl reduzieren, finden wir im Kern wieder die Neun, denn:
6+6+7+0+9+0+3+7+5+2+0+2+1+0+7+2+9+3+6+9+6+0=90 und 9+0 = 9
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Die Neun in der Sprache
Instinktiv verwenden wir die Neun, um eine fast vollendete Vollständigkeit anzudeuten: „Neun von zehn“ bedeutet fast immer – aber eben nicht in jedem Fall.
In der Umgangssprache trägt die Neun eine gewisse Spannung in sich. Wir sprechen davon, „zu neun Zehnteln am Ziel zu sein“ – noch nicht fertig, aber nah genug, dass sich der letzte Schritt qualitativ anders anfühlt. Er steht für einen Übergang.
Manchmal taucht die Neun in kurioseren Formen auf, als wolle sie auf etwas leicht Ausgefallenes hinweisen. Im englischen Slang deutet der Ausdruck „bent as a nine-bob note“ auf eine Verzerrung, auf etwas, das nicht ganz der Form entspricht. Im alten England war ein „Bob“ ein Schilling, und es gab nur Zehn-Schilling-Scheine. Die Zahl Neun steht in diesem Zusammenhang für eine Abweichung – eine Ermahnung daran, dass die bevorstehende Vollendung durchaus auch Mängel offenbaren kann.
Mark Twain: „Der wesentliche Unterschied zwischen einer Katze und einer Lüge besteht darin, dass eine Katze nur neun Leben hat.“
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Einem alten Sprichwort zufolge haben Katzen neun Leben. Wörtlich genommen ist diese Aussage natürlich reine Fantasie. Symbolisch betrachtet deutet sie jedoch auf eine gewisse Unverwüstlichkeit – die Fähigkeit, immer wieder neue Schicksalsschläge zu verkraften, wenn auch nicht auf unbestimmte Zeit. In diesem Sinne markiert die Zahl Neun ebenfalls eine Grenze.
Über Kulturen hinweg
In der altägyptischen Mythologie gibt es neun Gottheiten – eine vollständige göttliche Ordnung.
In China wird die Zahl Neun mit Langlebigkeit und Ausdauer assoziiert. Sie ist die Zahl des Kaisers – ein Kaiser trug Roben mit neun Drachen, und die Verbotene Stadt soll bekanntermaßen 9.999½ Räume haben – und bei traditionellen Geburtstagsessen werden neun Gerichte serviert, um ein langes Leben zu symbolisieren.
In der nordischen Mythologie gibt es neun Welten, die innerhalb der Struktur des Kosmos existieren.
In der westlichen klassischen Tradition gibt es die neun Musen – Gestalten, welche die gesamte Bandbreite menschlichen Ausdrucks verkörpern, wie Poesie, Geschichte, Musik, Tragödie, Komödie und so weiter – jede davon in ihrer höchsten Erscheinungsform. Die Zahl Neun steht hier für die Vollkommenheit des Ausdrucks.
Doch in keinem dieser Fälle bedeutet die Neun ein Ende. Musen inspirieren, aber sie bringen nichts zum Abschluss. Neun Welten existieren, doch sie enden nicht in Stille. Neun Götter herrschen, doch sie setzen der Geschichte kein Ende. Die Neun vervollständigt ein System – doch sie schließt es nicht ab, denn auch wenn etwas vollständig ist, ist es damit noch nicht abgeschlossen.
Am deutlichsten zeigt sich dies in Dantes Epos und von der Muse inspiriertem Meisterwerk „Die Göttliche Komödie“. Dante wird durch die neun Kreise der Hölle und des Himmels geführt, doch am Ende des Gedichts spielt der Dichter auf etwas an, das mit dem, was er bereits erlebt hat, nicht zu vergleichen ist. Er sagt:
„Wie kurz und schwach mein Wort ist gegen meine Vorstellung, die, verglichen dem Gesehnen, so ist, dass es nicht genügt, zu sagen wenig!“ (aus: Dante Alighieri´s Göttliche Comödie, Leipzig und Berlin Druck und Verlag von B.G. Teubner 1904, 33. Gesang, S. 405-407)
Mit anderen Worten: Auch wenn er die ultimative – letzte – Vision erreicht, so geht noch etwas darüber hinaus.
Und zu guter Letzt gibt es noch das uralte Enneagramm – das möglicherweise bedeutendste der spirituellen Persönlichkeitsmodelle, mit dem man einen Menschen einem bestimmten Typus zuordnen kann, wie Perfektionist, Helfer, Skeptiker, Friedensstifter und so weiter.
Dabei fixiert das Modell die Menschen jedoch nicht, sondern zeigt Wege zur Selbsterkenntnis auf, wie man innerhalb des vorhandenen Rahmens eine größere Ganzheitlichkeit erreichen kann.
In der Realität verankert
Vielleicht taucht die Zahl Neun gerade deshalb so oft in den Rhythmen des Lebens selbst auf. Im Volksmund spricht man von neun Schwangerschaftsmonaten, obwohl es medizinisch zehn sind, genauer gesagt 40 Wochen. Es ist eine Phase der Entwicklung. Der Zyklus endet, damit etwas Neues beginnen kann.
Auch im spirituellen Gedankengut findet sich die Neun wieder. Im Neuen Testament finden wir die neun göttlichen Tugenden, die die Frucht des Geistes bilden: Liebe, Freude, Friede, Geduld, Freundlichkeit, Güte, Treue, Sanftmut und Selbstbeherrschung (Galaterbrief 5: 22–23) und die neun Seligpreisungen (Matthäus 5,3–12; manchmal als acht aufgeführt). Diese Aufzählungen verweisen auf eine Fülle von Charaktereigenschaften, die den Menschen formen. Sie beschreiben jedoch keinen Endzustand, sondern eine Bereitschaft, woraus sich etwas Neues entfalten kann.
Was bedeutet die Zahl Neun also letztendlich? Weder Vollendung im Sinne eines Abschlusses noch einen geschlossenen Kreis. Sie steht für den Moment, in dem etwas ganz zu dem geworden ist, was es ist – und sich daher wandeln muss. In dieser Erkenntnis liegt eine stillschweigende Dringlichkeit: Vollendung bedeutet nicht, zur Ruhe zu kommen, sondern sich einer Schwelle zu nähern. Reife währt nicht ewig; sie führt weiter. Eine Frucht kann nicht auf dem Höhepunkt ihrer Reife verweilen, sie muss verzehrt werden – oder fallen, oder etwas Neues hervorbringen.
So ist es auch mit dem menschlichen Streben. Ein vollendetes Werk, ein erreichtes Ziel, eine abgeschlossene Lebensphase – all dies sind keine Endpunkte, so sehr wir uns das auch wünschen mögen. Es sind Momente der Bestandsaufnahme, nach denen man sich unweigerlich die Frage stellt: „Wie geht es weiter?“ In Augenblicken wie diesen befinden wir uns im Bereich der Neun.
Das Erreichen des Gipfels bedeutet, an eine Grenze gekommen zu sein, jenseits derer eine Transformation stattfinden wird. Die Neun bereitet uns darauf vor, von Neuem zu beginnen.
Das Leben lädt uns stets zu etwas Neuem ein – und wenn wir dies erkennen, erhaschen wir vielleicht einen Blick auf etwas noch Größeres.
Berlin und der Zweite Weltkrieg. - Foto: picture-alliance/dpa
Mit tragischer Naivität sagte man einst, der Erste Weltkrieg – „Der Große Krieg“, wie er damals genannt wurde – würde alle Kriege beenden. Doch solange die Menschheit sowohl Waffen als auch Meinungsverschiedenheiten hat, solange Ehrgeiz, Grausamkeit, Gier und gerechter Zorn fortbestehen, werden weiterhin Kriege geführt werden.
Viele große Schriftsteller haben über das tragische Mysterium des Krieges nachgedacht, das mit der menschlichen Erfahrung und Geschichte verflochten ist. Einer von ihnen war der irische Schriftsteller und Literaturwissenschaftler C. S. Lewis, Autor der „Chroniken von Narnia“ und „The Screwtape Letters“.
Lewis durchlebte zwei Weltkriege. In seinen Werken erinnerte er seine Leser immer wieder daran, dass selbst im Schatten des Krieges ein Hoffnungsschimmer bestehen bleibt.
23. Juli 1944, Caen, Frankreich – Premierminister Winston Churchill (l.) besucht in Begleitung von General Bernard Montgomery (2. v. r.) und Miles Dempsey (Mitte), dem Kommandeur der 2. britischen Armee, die teilweise zerstörte französische Stadt in der Normandie. Das Foto entstand kurz nach der Einnahme der Stadt durch die Alliierten am D-Day.
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Eine Metapher in Romanform
Sein kurzer Briefroman „The Screwtape Letters“ (zu Deutsch: „Dienstanweisung für einen Unterteufel“) enthält ein Beispiel für dieses Stilmittel. Der Roman besteht aus einer fiktiven Sammlung von Briefen des höllischen Bürokraten und Oberdämons, Screwtape, an seinen Neffen und Teufelslehrling Wormwood. Dessen Lehraufgabe war es, die menschliche Seele zu ruinieren, die ihm zur Versuchung zugewiesen wurde.
Deutsche Schulkinder essen nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs ihre Lebensmittelrationen. Das waren etwa 300 Kalorien pro Tag. Wetzlar, Deutschland, etwa zwischen 1945 und 1948.
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Dieses geniale literarische Mittel erlaubte es Lewis, die menschliche Psychologie und Spiritualität aus einem einzigartigen Blickwinkel zu untersuchen, wobei er Galgenhumor neben übernatürlich tiefgründigen Erkenntnissen einfügte. Der Roman wirkt wie ein Fotonegativ von Lewis’ tatsächlichen spirituellen Ansichten. Alles, was Screwtape liebt, lehnt Lewis ab, und was Screwtape hasst oder wovon er abrät, bewundert und empfiehlt Lewis.
In Kapitel V erfahren die Leser, dass ein Krieg ausgebrochen ist. Die Briefe der „Dienstanweisung für einen Unterteufel“ erschienen erstmals 1941 als Fortsetzungsreihe im „Manchester Guardian“. Dieses Datum ist sehr wahrscheinlich als Anspielung auf den Zweiten Weltkrieg zu verstehen.
Lewis nutzt die Gelegenheit, um seinen Lesern indirekt Worte der Ermutigung für die Kriegszeit anzubieten – mittels Screwtapes Worten der Entmutigung an Wormwood. Lewis’ Kommentar zu den psychologischen und spirituellen Auswirkungen des Krieges bietet Weisheit, die auf jede Zeit militärischer Konflikte angewendet werden kann.
C. S. Lewis (1898–1963), mit vollem Namen Clive Staples Lewis, ist für seine Fantasyromane „Die Chroniken von Narnia“ bekannt.
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In Screwtapes Brief an Wormwood anlässlich des Kriegsausbruchs tadelt dieser den unerfahrenen teuflischen Lehrling für seine Aufgeregtheit. Er schreibt:
„Es ist ein wenig enttäuschend, wenn man von Dir einen ausführlichen Arbeitsrapport erwartet und stattdessen solch eine verworrene Rhapsodie wie Deinen letzten Brief erhält. Du berichtest, Du seiest ‚rasend vor Freude‘ darüber, dass sich die Europäer in einen neuen Krieg gestürzt haben. Ich weiß aber nur zu gut, was mit Dir los ist. Du bist nicht ‚rasend‘, sondern Du bist ganz einfach ‚betrunken‘.“ [1]
Screwtape erklärt weiter, dass sich Wormwood von den Gezeiten der Angst und Fassungslosigkeit seines menschlichen Schützlings habe mitreißen lassen – weil menschliche Verzweiflung für einen Dämon wie der feinste Likör ist.
„Zum ersten Mal in Deiner Laufbahn durftest Du von jenem Wein kosten, der unserer Mühe und Arbeit Lohn ist – die Angst und die Verwirrung einer Menschenseele –, und dieser Wein ist Dir in den Kopf gestiegen“, ermahnt Screwtape [2].
Dann verspottet er Wormwood, während er sich die Szene vorstellt, als Wormwoods Mensch vom Krieg erfuhr: „Reagierte Dein Patient auf einige Deiner erschreckenden Zukunftsbilder? Hast Du ihn dazu gebracht, sich selbst zu bemitleiden, durch Vorspiegelung seiner glücklichen Vergangenheit? – Waren einige feine Stiche in der Magengegend mit dabei, oder? Du hast Deine Fiedel glänzend gespielt, nicht wahr?“ [3]
Kinder warten vor den Trümmern ihres ehemaligen Zuhauses in East London, 1940.
Menschliches Durchhaltevermögen inmitten der Katastrophe
Warum züchtigt Screwtape Wormwood für seinen Enthusiasmus über den Krieg? Weil, wie der erfahrenere Dämon weiß, Krieg nicht notwendigerweise der Untergang der Menschheit ist, für den Wormwood ihn hält. „Inzwischen muss ich Dich dringend warnen, nicht zu viel Hoffnung auf den Krieg zu setzen!“, mahnt Screwtape [4]. Natürlich sagt Lewis seinen menschlichen Lesern damit eigentlich: Verzweifelt nicht angesichts der Aussicht auf Krieg. Fürchtet ihn nicht zu sehr.
Screwtape führt weiter aus, warum Krieg nicht immer zum Vorteil der höllischen Mächte gereicht:
„Gewiss, wir dürfen auf viel Grausamkeit und Unmenschlichkeit hoffen. Aber wenn wir nicht aufpassen, dann werden wir erleben, wie Tausende in dieser Prüfung sich dem Feinde zuwenden. Das Interesse aber von Zehntausenden, die vielleicht nicht so weit gehen, wird immerhin abgelenkt werden von ihrer eigenen Person auf Werte und Ideen, die sie für höher erachten als das eigene Ich.“ [5]
Hier stößt Lewis – durch die höhnische Stimme Screwtapes – auf eine große und bedeutende Wahrheit: Krieg bringt das Schlechteste in der Menschheit hervor, aber er bringt auch das Beste hervor. Er reißt die Menschen aus sich selbst heraus, weckt sie aus dem Schlummer eigennütziger Bequemlichkeit und lenkt ihre Aufmerksamkeit auf die wichtigsten Themen: Leben, Tod, Mut, Opferbereitschaft, Patriotismus, Gut und Böse und dass es sich dafür zu sterben lohnt. Wie Screwtape klagt: „Und wie verheerend ist für uns das dauernde Wissen um die Todesnähe, das der Krieg den Menschen aufzwingt. Eine unserer besten Waffen, die sich selbst genügende Weltliebe, ist nun wertlos.“ [6]
Der Krieg als Prüfstein des Menschen
Zeiten der Not – ob Krieg oder andere Katastrophen – zwingen uns, uns mit harten Wahrheiten auseinanderzusetzen, doch wir gehen daraus oft gestärkt hervor. Wie Sokrates sagt: „Ein Leben ohne Prüfung ist für den Menschen nicht lebenswert.“ [7] Kaum etwas zwingt uns so sehr dazu, unser Leben und seine Bedeutung – sowohl gut zu leben als auch gut zu sterben – zu hinterfragen, wie der Krieg. Unter dem Druck schrecklicher Umstände tritt die Wahrheit dessen, wer wir sind, deutlich hervor. Erst dann entsteht die Möglichkeit für echten Mut und wahres Heldentum.
Wenn die Welt dunkler wird, leuchten die vorhandenen Lichter umso heller. Und wenn ungewisse Zukunftsszenarien drohen, wird deutlicher, was wirklich zählt – und wie wertvoll die Menschen und Werte sind, an denen wir festhalten und für die wir einzustehen bereit sind. Diese Erkenntnis ist für sich genommen bereits ein Geschenk.
Einer von Lewis’ engen Freunden verstand dies gut. J.R.R. Tolkien, ein weiterer Überlebender von Krieg und Kampf, schuf eine wunderschöne Reflexion über schwere Zeiten. Er schrieb im ersten Teil der Herr-der-Ringe-Trilogie „Die Gefährten“: „Freilich ist die Welt voller Fährnisse und finsterer Orte; doch noch immer ist viel Schönes lebendig, und wenn auch die Liebe in allen Landen nun mit Leid vermengt ist, wird sie deshalb vielleicht umso größer.“ [8]
Diesen Worten lässt sich kaum etwas hinzufügen – sie klingen so rein, getragen von der ganzen Qual und Hoffnung einer ringenden Menschheit. Lewis und Tolkien, denen der Krieg nicht fremd war, wussten, wie sich selbst in den dunkelsten Zeiten Licht und Hoffnung finden lassen.
Eine kolorierte Fotografie von Tolkien aus den 1940er-Jahren.
[1] C. S. Lewis: „Dienstanweisung für einen Unterteufel“. Verlag Herder, 2015, S. 40 [2] ebenda, S. 40 [3] ebenda, S. 41 [4] ebenda, S. 42 [5] ebenda, S. 43 [6] ebenda, S. 44 [7] Platon:Apologie des Sokrates, Kriton. Reclam, Stuttgart 1987, S.33. [8] J.R.R. Tolkien: Der Herr der Ringe. Erster Teil: Die Gefährten. Klett-Cotta, 2013, S. 522.
Der Film „Vaterland“ von Pawel Pawlikowski kam in Cannes gut an. - Foto: Scott A Garfitt/Invision/AP/dpa
Stars wie Kristen Stewart, Adam Driver und Woody Harrelson präsentieren in Cannes ihre neuen Filme. Doch neben internationalen Größen sind in diesem Jahr bei dem glamourösen Filmfest auch viele deutsche Namen präsent.
Allen voran Sandra Hüller, die in „Vaterland“ als Erika Mann mit ihrem Vater Thomas Mann durch das zerstörte Nachkriegsdeutschland reist – und dafür gefeiert wird.
Hinzu kommen etwa Regie-Größe Volker Schlöndorff, die Schauspieler Lars Eidinger, Jella Haase, Hanns Zischler, August Diehl und Regisseurin Valeska Grisebach, die mit ihrem Film „Das geträumte Abenteuer“ ins Rennen um die Goldene Palme geht. Auffällig: Mehrere Produktionen beschäftigen sich mit deutscher Geschichte und Identität.
Produktionen beziehen sich auf deutsche Geschichte
So zählt „Vaterland“ des polnischen Regisseurs Pawel Pawlikowski, ein minimalistisch in Schwarz-Weiß gehaltenes Drama, bei Kritikern zu den frühen Favoriten im Wettbewerb.
In „Moulin“ des ungarischen Filmemachers László Nemes über den französischen Widerstandskämpfer Jean Moulin verkörpert Lars Eidinger den Gestapo-Chef Klaus Barbie.
Und in Schlöndorffs Film „Heimsuchung – Eine Jahrhundertgeschichte“, der außerhalb des Wettbewerbs läuft, wird ein Haus zum Speicher eines ganzen Jahrhunderts.
Was macht das deutsche Kino für Cannes attraktiv? Aus Schlöndorffs Sicht sind Franzosen immer neugierig auf Deutschland gewesen.
„Das ist ja so eine sogenannte Hassliebe. Sie sehen das Beste und das Schlimmste in uns und mögen, wenn wir das in unseren eigenen Filmen dann auch reflektieren.“ Andersherum gebe es für die Branche hier „die größte Möglichkeit“, den Film in die ganze Welt zu vertreiben.
Schlöndorff: Cannes-Einladung damals wie „ein Ritterschlag“
Seine Günter Grass-Verfilmung „Die Blechtrommel“ hatte 1979 bei dem Filmfestival die Goldene Palme gewonnen. Er sei damals gleich aufgenommen worden in die internationale Filmgemeinschaft, erinnert sich der 87-Jährige. Das sei etwas wie „ein Ritterschlag“ gewesen. „Jetzt gehörst du dazu. Ja, und wie bangt man, wenn man anfängt, ob man es schafft, dazuzugehören.“
Nun kehrt er mit „Heimsuchung“ zurück, eine Verfilmung von Jenny Erpenbecks gleichnamigem Roman. In dem Drama mit Martina Gedeck, Lars Eidinger und Ulrich Matthes erzählt er eine Generationengeschichte, angesiedelt in einem Haus am See in Brandenburg. Über mehrere Jahrzehnte – von der Weimarer Republik bis zum Abriss des Gebäudes – spiegeln sich hinter dessen Mauern die Katastrophen des 20. Jahrhunderts: NS-Diktatur, Krieg, DDR und die Umbrüche nach 1989.
Der Cast von „Heimsuchung“ kam nach Cannes.
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„Irgendwie kommt die Politik immer bis auf diese entlegene kleine Enklave am See“, sagt Schlöndorff. Ihm gelingt ein eindringliches Panorama deutscher Geschichte, das Schrecken und Verlust ebenso zeigt wie die seltenen Momente von Glück und Menschlichkeit. Besonders die eindrucksvollen Naturbilder verleihen dem Film trotz aller Härte eine poetische, fast versöhnliche Atmosphäre.
„Vaterland“ hingegen verbindet politische Geschichte mit einer intimen Vater-Tochter-Beziehung zwischen dem berühmten Schriftsteller Thomas Mann (Hanns Zischler) und seiner Tochter Erika. Pawlikowski ist ein berührendes Porträt über Familie, Trauer, Identität, Exil und Heimat gelungen, das auf historischen Ereignissen beruht, aber keine historische Rekonstruktion sein soll.
Welche Szenen für Hüller in „Vaterland“ am schwierigsten waren
Die beiden Manns unternehmen für einen Besuch einen Roadtrip durch Deutschland im Jahr 1949. Thomas Mann hält anlässlich des 200. Geburtstags von Goethe im westdeutschen Frankfurt am Main sowie in Weimar in der sowjetischen Zone eine Rede. Doch die Reise wird durch den Tod von Klaus Mann (Diehl) überschattet.
Für sie seien die Szenen am schwierigsten gewesen, in der es um die tiefe Trauer der Figuren ging, sagt Hüller. „Und zwar nicht nur über den Verlust des Familienmitglieds Klaus Mann, sondern auch über den Verlust der Heimat. Das ist etwas, das mich persönlich die ganze Zeit begleitet hat.“
Sandra Hüller spielt im Drama „Vaterland“ Erika Mann.
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In Cannes wird die Schauspielerin für ihre Darstellung hochgelobt. Das Magazin „Variety“ schreibt etwa, ihr „GPS ist auf das Oscar-Rennen im nächsten Jahr eingestellt“. Schon 2023 feierte sie hier große Erfolge: Das Drama „Anatomie eines Falls“ gewann damals die Goldene Palme, später wurde sie für ihre Rolle für einen Oscar als beste Hauptdarstellerin nominiert.
Jella Haase: Europas Vielfalt im Film noch mehr feiern
Zum ersten Mal an der Croisette ist hingegen Schauspielerin Haase („Kleo“, „Fack ju Göhte“). Die 33-Jährige spielt in dem Wettbewerbsfilm „Gentle Monster“ der Österreicherin Marie Kreutzer an der Seite von Léa Seydoux, Laurence Rupp und Catherine Deneuve. Das vielschichtige Drama handelt von einer Frau, deren Leben aus den Fugen gerät, als sie ein dunkles Geheimnis ihres Mannes entdeckt.
Haase hält die deutsche Präsenz dieses Jahr generell für ein „europäisches Phänomen“. Tatsächlich bleiben große US-Studios dem renommierten Filmfest in diesem Jahr größtenteils fern, Europas Kino gewinnt international an Bedeutung. „Das ist ganz toll und wünschenswert, dass wir in Europa diese Vielfalt richtig nutzen und Co-Produktionen eingehen“, findet die Schauspielerin.
In „Gentle Monster“ wird Englisch, Französisch und Deutsch gesprochen. „Es ist schön zu sehen, dass das so funktioniert. Wir könnten das noch viel mehr ausnutzen und feiern, dass wir in Europa diese große Vielfalt haben.“ (dpa/red)
Seine Welturaufführung hatte der Circus Roncalli 18. Mai 1976 in Bonn. - Foto: Rolf Vennenbernd/dpa
Artisten fliegen durch die Luft, Clowns tröten schräge Melodien, bunte Kostüme entfalten sich zu riesigen Blumen – und über allem liegt ein Duft von Popcorn: Im Circus Roncalli kann das Publikum für zweieinhalb Stunden in eine heile Welt entfliehen.
„Dies ist einer der wenigen Orte, wo Kleinkinder und Intellektuelle gemeinsam lachen können“, sagt Direktor Bernhard Paul, der die Zuschauer in Köln begrüßt. Dort, an seinem Stammsitz, gastiert der Zirkus auch während seines 50-jährigen Jubiläums.
Ein paar Tage zuvor sitzt Paul an dem mächtigen dunklen Tisch in seinem mit allerlei Nippes und Kuriositäten ausgestatteten Haus, das sich auf dem Gelände des Zirkus-Winterquartiers in Köln-Mülheim befindet. Im Gespräch mit dpa blickt der Mann mit der wilden Mähne zurück auf den 18. Mai 1976, als der Circus Roncalli seine Welturaufführung in Bonn feierte.
„Ich wollte immer ein Clown sein“, sagt Paul.
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Noch am Premierentag den Kassenwagen gestrichen
„Ich kann mich noch an alles genau erinnern, jedes Detail, die Gesichter der Menschen, den Geruch von Sägemehl“, schwärmt der 78-Jährige. „Es war unwirklich. Ich habe seit meiner Kindheit davon geträumt Zirkus zu machen – und dann ist es tatsächlich passiert.“
Alles sei erst auf den letzten Drücker fertig geworden – am Premierentag habe er noch den Kassenwagen gestrichen. „Ich hatte so viele Gefühle, die haben mich fast erschlagen.“
Als kleiner Junge sei er wegen seines Aussehens mit roten Haaren, Sommersprossen und Brille oft gehänselt worden, erzählt er. Ein Lichtblick sei es für ihn immer gewesen, wenn in seiner österreichischen Heimatstadt ein Zirkus Station machte.
Die Zirkuskinder gingen für ein paar Tage mit ihm zur Schule. „Sie luden mich zu sich zum Essen ein, und der Vater saß als Clown geschminkt am Tisch. Ich habe mich auf einmal Zuhause gefühlt und wusste: Da gehöre ich eigentlich hin.“
Nach einer Durststrecke gelingt in Köln der Neustart
Nach seinem Grafikdesign-Studium schmeißt Paul seinen Job als Art Director und setzt seinen Kindheitstraum um. Zusammen mit dem Multimedia-Künstler André Heller entwirft er ein neuartiges Konzept aus konventionellen Zirkus-Elementen, Poesie und absurdem Theater. Doch schon kurz nach dem verheißungsvollen Auftakt in Bonn trennen sich die beiden Macher im Streit.
Für Paul beginnt eine längere Durststrecke, bis ihm der Schweizer Kabarettist Emil Steinberger als Geldgeber zu Hilfe kommt. Mit der Premiere des Programms „Reise zum Regenbogen“ gelingt Roncalli 1980 in Köln der Neustart.
Paul hat den Circus Roncalli vor 50 Jahren gegründet.
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Als erster westlicher Zirkus Gastspiel in Moskau
Anders als viele Konkurrenten setzt Paul verstärkt auf Nostalgie und Romantik. Er verziert Zirkuswagen mit goldenen Schnörkeln, überlegt sich ein Lichtkonzept, verpasst den Artisten maßgeschneiderte Kostüme und stellt Orchestermusiker ein.
Im Programm gibt es neben Action auch verträumte Elemente: So ist der Schweizer Pantomime Pic mit seiner „Seifenblasen-Poesie“ jahrelang der Star des Zirkus.
Roncalli wird schnell größer und macht sich auch international einen Namen. 1986 gastiert er als erster westlicher Zirkus in Moskau. Später folgen Stationen in Sevilla, Brüssel, Amsterdam und schließlich New York. Eine Metropole steht noch auf Pauls Wunschliste: „Ich würde gerne mal in Paris spielen.“
Von Anfang an zieht es immer wieder Prominente zu Roncalli – nicht nur als Zuschauer, sondern teils auch in die Manege. Schauspieler Heinz Rühmann etwa singt dort 1984 sein „Lied vom Clown“.
1986 tritt die damalige Bundesgesundheitsministerin Rita Süssmuth (CDU) als Clown auf, nachdem sie in der TV-Show „Wetten, dass…?“ eine Wette verloren hat. Ex-FC Bayern-Präsident Uli Hoeneß mimt 2010 im Zirkusrund einen Ritter.
Auch Prominente traten über die Jahre in der Manege auf, wie Uli Hoeneß im Jahr 2010.
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Seit 2018 gibt es bei Roncalli keine Tier-Nummern mehr
Anfangs gehören noch Löwen oder Tiger zum Programm. Doch schon in den 1990er Jahren schafft Roncalli Raubtiere und 2018 auch Pferde und Ponys ab. „Tiere im Zirkus – das war irgendwann aus der Zeit gefallen“, meint Paul. „Es gab dauernd Proteste von Tierschützern, das war einfach nichts mehr.“
Die meisten seiner Kollegen dagegen setzen nach wie vor auf Tier-Dressuren. „Tiere gehören zum klassischen Zirkus einfach dazu“, sagt Ralf Huppertz, Vorsitzender des Verbands deutscher Circusunternehmen.
Das Tierwohl sei gesichert: „Das Veterinäramt kommt auf jeden Platz und kontrolliert.“ Bundesweit gibt es nach Schätzung von Huppertz noch etwa 250 Zirkus-Unternehmen.
Vor einigen Jahren hat Roncalli alle Tiere abgeschafft.
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Direktor Paul wollte immer ein Clown sein
Roncalli – der offizielle Name lautet seit einiger Zeit Circus-Theater Roncalli – konzentriert sich seit Abschaffung der Tiere noch stärker auf Artisten und natürlich Clowns. Diese bildeten von Anfang an einen Schwerpunkt – wohl auch, weil der Chef ein besonderes Faible dafür hat: „Ich wollte immer ein Clown sein“, sagt Paul, der früher oft selbst als Clown „Zippo“ auftrat.
Der italienische Star-Clown Francesco Caroli spielte bis kurz vor seinem Tod mehrere Jahre bei Roncalli, Weißclown „Gensi“ (Fulgenci Mestres) ist seit mehr als 20 Jahren dabei.
Aus dem Zirkus ist inzwischen längst ein großes Eventunternehmen mit mehreren Standbeinen geworden, etwa dem Düsseldorfer „Apollo“-Varieté. Roncalli veranstaltet Weihnachtsmärkte unter anderem in Hamburg und Hannover sowie Shows mit anderen Künstlern.
Zur Ruhe setzen will der umtriebige Paul sich absehbar nicht. „So lange ich klar denken kann und gesund bin, mache ich weiter“, sagt er. Die Nachfolge ist gesichert: Seine drei Kinder Adrian, Vivian und Lili sind bereits mit im Geschäft und sollen irgendwann ganz in die großen Fußstapfen ihres Vaters treten. (dpa/red)
Dara aus Bulgarien hat mit dem Titel „Bangaranga“ den 70. ESC gewonnen. - Foto: Georg Hochmuth/APA/dpa
Europa hat Lust auf „Bangaranga“: Überraschend konnte Bulgarien in der Nacht zum Sonntag mit dem gleichnamigen Titel von Sängerin Dara den Eurovision Song Contest (ESC) deutlich vor Israel gewinnen.
Für Deutschland endete der weltweit am meisten beachtete Musikwettbewerb mit einer Enttäuschung – die deutsche Starterin Sarah Engels erreichte nur den drittletzten Platz.
Die Wettbüros hatten seit Wochen Finnland als Sieger des ESC prognostiziert, doch das finnische Duo Linda Lampenius und Pete Parkkonen konnte weder die Jury noch das Publikum voll überzeugen und schaffte es lediglich auf Platz sechs.
Das wie im Vorjahr zweitplatzierte Israel profitierte von einem starken Ergebnis in der Publikumsabstimmung, Dritter wurde ebenfalls durch viele Publikumsstimmen Rumänien. Das von den Wettbüros hoch gehandelte Australien landete auf dem vierten Platz vor dem fünftplatzierten Italien.
„Bangaranga“ steht für „alles ist möglich“
Bulgarien war nach dreijähriger Pause erst in diesem Jahr wieder zum Eurovision Song Contest zurückgekehrt. Es ist der erste Sieg für das osteuropäische Land in dem Wettbewerb. Sängerin Dara konnte bei der Abstimmung sowohl die Jury- als auch die Publikumsabstimmung gewinnen.
Die 27 Jahre alte Sängerin kam so auf 516 Punkte und ließ den Israeli Noam Bettan mit 343 Punkten deutlich hinter sich. Damit schaffte Dara auch den größten Vorsprung auf einen Zweitplatzierten in der 70-jährigen ESC-Geschichte – sie löste damit den Norweger Alexander Rybak ab.
Auf die Frage, was „Bangaranga“ bedeute, sagte Dara im ESC-Finale, es stehe für ein Gefühl. Es gehe um spezielle Energie und den Gedanken, „alles ist möglich“. Das Wort soll aus dem jamaikanischen Dialekt stammen und dort Revolution bedeuten.
ESC 2027 findet in Sofia statt
Wie die bulgarische Delegation erklärte, soll das ESC-Finale im nächsten Jahr in Sofia stattfinden. Dara sagte, sie hoffe darauf, dass das Finale dann die Länder wieder verbinden könne und das ESC-Motto „United by Music“ – vereint durch Musik – wahr werde.
Wegen eines Streits um die Teilnahme Israels hatten in diesem Jahr fünf Länder den Wettbewerb boykottiert. Sie kritisieren Israels Vorgehen im Gazastreifen. Anders als im ersten Halbfinale am Dienstag wurde der Auftritt von Noam Bettan im Finale aber nicht durch Störer beeinträchtigt.
Deutschland bekam nur 12 Punkte
Während Bulgarien mit dem Sieg allen Grund zum Feiern hat und im nächsten Jahr den ESC austragen wird, endete der Wettbewerb für Deutschland mit einer Enttäuschung. Die deutsche Sängerin Sarah Engels landete auf dem drittletzten Platz.
Die 33-Jährige bekam insgesamt nur zwölf Punkte, wie die Auszählung in der Nacht zum Sonntag ergab. Das reichte lediglich zu Platz 23 von 25 Startern. Letzter wurde Großbritannien, Vorletzter der Vorjahressieger Österreich.
Engels bekam nur von der Jury Punkte, beim Publikum ging sie leer aus. Für Deutschland bedeutet das einen deutlichen Rückschlag. Im vergangenen Jahr war das deutsche Duo Abor & Tynna immerhin auf Platz 15 gelandet, im Jahr davor wurde Isaak für Deutschland sogar Zwölfter. Der Südwestrundfunk verantwortete innerhalb der ARD in diesem Jahr zum ersten Mal den ESC, in den Jahren davor war der Norddeutsche Rundfunk zuständig.
SWR ist enttäuscht
Engels hatte einen ordentlichen, fehlerfreien Auftritt hingelegt. Allerdings war ihr Lied „Fire“ bereits nach dem deutschen Vorentscheid als zu gewöhnlich kritisiert worden. Trotz des schlechten Abschneidens reagierte Engels gelassen auf ihre Platzierung.
„Für Deutschland beim weltweit größten Musikwettbewerb zu singen, ist eine Ehre – ganz unabhängig davon, wie am Ende die Platzierungen ausfallen“, erklärte Engels in einer vom Südwestrundfunk verbreiteten Erklärung. Es sei für sie „ein großes Fest“ gewesen. „Deshalb habe ich mir über Platzierungen von Beginn an nicht den Kopf zerbrochen.“
Anders als die deutsche Starterin zeigte sich SWR-Programmdirektor Clemens Bratzler enttäuscht von der Platzierung. Engels habe mit großer Leidenschaft, hoher Professionalität und enormer Bühnenpräsenz einen überzeugenden Auftritt hingelegt.
„Wir wollten beweisen, dass Deutschland eine Performance auf hohem Niveau an den Start bringt. Trotzdem sind wir natürlich enttäuscht über die Platzierung, auch wenn für uns diese eine Zahl nicht im Fokus stand.“
Rund 9 Millionen Zuschauer
Das Finale hat der ARD hohe Einschaltquoten beschert. Im Ersten und im Spartensender One schauten insgesamt rund 8,9 Millionen Menschen die Übertragung der Show aus Wien, wie sich aus den Zahlen der AGF-Videoforschung ergibt. Im Vergleich zum ESC-Finale vor einem Jahr bedeutete dies einen kleinen Rückgang, die Sendung war mit Abstand die erfolgreichste des Samstags.
Herausragend war die Einschaltquote in der für die Werbung relevanten Altersgruppe der 14- bis 49-Jährigen mit einem Marktanteil von insgesamt 64,5 Prozent. Vor einem Jahr schaffte das ESC-Finale in dieser Altersgruppe einen Marktanteil von fast 80 Prozent und holte damals damit einen neuen Allzeitrekord bei den Einschaltquoten. (afp/red)
Während der Proben für das Finale des 70. Eurovision Song Contest (ESC) in der Stadthalle Wien. - Foto: Jens Büttner/dpa
In der österreichischen Hauptstadt Wien hat am Samstagabend das Finale des Eurovision Song Contest (ESC) begonnen. Insgesamt 25 Länder treten in dem weltweit am meisten beachteten Musikwettbewerb gegeneinander an, der Gewinner wird mit einem gläsernen Mikrofon ausgezeichnet.
In den Wettbüros gilt schon seit Wochen Finnland als Favorit. Kurz vor dem Finale konnten allerdings Australien und Bulgarien aufholen. Über den Sieger entscheiden je zur Hälfte Jurys und Publikum. Mit einem Ergebnis wird erst nach Mitternacht gerechnet.
70 Jahre ESC
Für Deutschland startet Sarah Engels mit der Popnummer „Fire“ beim ESC. Die 33-Jährige wurde kurz vor dem Finale auf einem der hinteren Plätze gesehen. Wien ist Gastgeberstadt, weil im vergangenen Jahr der österreichische Sänger JJ den Wettbewerb gewinnen konnte.
Der ESC feiert in diesem Jahr 70-jähriges Bestehen. Getrübt wird das Jubiläum von einem Streit über die Teilnahme Israels. Mit den Niederlanden, Spanien, Irland, Slowenien und Island boykottieren fünf Länder den Wettbewerb aus Protest gegen Israels Vorgehen im Gazastreifen.
Am Rande des ESC kam es am Samstagnachmittag zu einer Kundgebung und Demonstration gegen die Teilnahme Israels. Einige hundert Menschen protestierten, dabei wurden zahlreiche palästinensische Flaggen gezeigt. Die Proteste blieben ohne größere Zwischenfälle. Die Teilnehmerzahlen lagen deutlich unter den Erwartungen der Veranstalter.
Neue Regeln
Vergangenes Jahr in Basel gewann der österreichische Countertenor JJ die weltweit größte Musikshow. Deshalb tragen Österreich und seine Rundfunkanstalt ORF diesmal die Show aus.
Moderiert wird der ESC von der „Let’s Dance“-Moderatorin Victoria Swarovski und dem Schauspieler Michael Ostrowski.
Für den ESC 2026 wurden die Regeln angepasst. Neu war etwa, dass in den Halbfinalen über das Weiterkommen nicht mehr allein das Publikum entschied. Die Hälfte der Punkte vergaben wieder die nationalen Jurys – ein Regelwerk, das zuletzt nur im Finale gegolten hatte.
Außerdem: Die maximale Anzahl der Stimmen des Publikums via App, SMS und Anruf wurde von 20 auf 10 reduziert. Damit reagierte die Europäische Rundfunkunion (EBU) auf das Ergebnis des ESC 2025. (afp/dpa/red)
Er kann es noch: John Travolta kommt zur Premiere des Films "Karma" bei den Filmfestspielen in Cannes. - Foto: Andreea Alexandru/Invision/AP/dpa
Mit dieser Überraschung hatte John Travolta nicht gerechnet: Der „Pulp Fiction“- und „Grease“-Star ist bei den Filmfestspielen in Cannes überraschend mit der Ehren-Palme für sein Lebenswerk ausgezeichnet worden. Damit habe er am wenigsten gerechnet, sagte der 72-Jährige sichtlich gerührt. „Das ist größer als ein Oscar.“
Die Trophäe erhielt John Travolta noch vor der Vorführung seines Regiedebüts „Nachtflug nach L.A.“. Die Geschichte basiert auf einem Kinderbuch, das er einst für seinen Sohn Jett schrieb, der 2009 starb. Der Hollywood-Star, selbst leidenschaftlicher Pilot, erzählt darin von einem Achtjährigen auf seiner ersten Flugreise.
Travolta war Ende der 1970er Jahre mit Filmen wie „Saturday Night Fever“ und „Grease“ zum Weltstar geworden. Mit der Auszeichnung schließt sich für ihn auch ein Kreis: Der Gangsterfilm „Pulp Fiction“ von Quentin Tarantino, in dem Travolta den Profikiller Vincent Vega spielt, gewann 1994 die Goldene Palme in Cannes
Auf die Frage von Festivalchef Thierry Frémaux, ob dies der Beginn einer zweiten Karriere als Regisseur sei, ließ Travolta eine klare Antwort offen. Er mache Filme aus Leidenschaft, sagte er – und genau das habe für dieses Projekt gegolten. Sein Regiedebüt wurde in Cannes mit großem Applaus aufgenommen. (dpa/red)
Es gibt Menschen, die brauchen lange, bis sie wissen, wer sie hier auf Erden sein möchten. Andere wissen es schon als kleine Kinder. Zu diesen zählt Charlotte Melkonian.
Heute ist sie zwölf Jahre alt und Cellistin. Proficellistin. Bereits mit dreieinhalb Jahren wusste sie, dass sie Solistin am Cello werden will. In der Carnegie-Hall in New York gab sie mit elf Jahren ihr Debüt, in der Hamburger Elbphilharmonie spielte sie bereits zahlreiche Konzerte. So viele, dass schon mal wegen Terminüberschneidungen abgesagt werden muss.
Es ist Sonntagnachmittag, 14 Uhr. Für das verabredete Videointerview erscheint die junge Cellistin mit offenem, fröhlichem Gesicht am Bildschirm, an ihrer Seite ihre Mutter Isabella Melkonian.
Charlottes Gesichtszüge sind noch kindlich. Doch von Scheu oder Verlegenheit keine Spur. Gewandt und in flottem Tempo beginnt sie zu erzählen.
Jede Woche ein Konzert – am liebsten mehr!
Dass sie oft unterwegs seien, richtig. Einmal die Woche gehe es an die Universität der Künste in Berlin (UdK). Seit 2023 besucht sie dort mit anderen Masterschülern die Celloklasse von Professor Jens Peter Maintz. Einziger Unterschied zu den anderen: das Alter. Üblicherweise sind die Studenten hier Anfang 20 oder älter. Dennoch sind es gerade diese Kommilitonen, mit denen Charlotte sich austauschen kann, denn sie teilen das, was auch sie beschäftigt: das vollständige Eintauchen in die Musik durch das Cellospiel.
Dabei komme das Scherzen und Lachen nicht zu kurz, betont sie. Auch mit ihrem Professor. Mit ihm erarbeitete sie im Alter von acht Jahren das 1. Cellokonzert in C-Dur von Haydn. Voller Freude erinnert sie sich daran. Vielleicht blieb es auch deshalb so stark in Erinnerung, da es das erste Stück unter seiner Begleitung war.
An Meisterkursen – mit Vorliebe bei ihrem Professor – nehme sie auch sehr gern teil, erzählt Charlotte lebhaft. Der Weg dorthin sei allerdings aufwendig: Bewerbung und Auswahlverfahren sind Voraussetzung. Zudem entstehe erheblicher finanzieller Aufwand, ergänzt die Mutter.
Doch dafür komme sie in den Genuss von sechs Unterrichtseinheiten pro Woche, oft 4, 5 oder 6 Stunden täglich, anstatt der üblichen wöchentlichen Stunde, fährt die Zwölfjährige fort. „Das ist toll. Und wir können auch bei den anderen zuhören. Da lernt man wirklich viel, wenn Prof. Maintz die anderen unterrichtet. Das ist das Besondere an einem Meisterkurs, dass man alle anderen hören kann“, führt sie aus.
Im Schnitt tritt Charlotte etwa einmal pro Woche bei kleineren Konzerten auf – zu unterschiedlichen Anlässen und bei wechselnden Veranstaltern. Einmal im Monat kommt ein größerer Auftritt hinzu. Am liebsten hätte sie jeden Tag ein Konzert.
Woher sie ihre große Begabung glaubt zu haben? „Von Mama“, lautet die klare Antwort. Diese ist Sängerin, wie schon die armenischen Großeltern, die Opernsänger waren. Sie fügt hinzu: „Auf jeden Fall aus der Familie.“
Es ist ihre Mutter, die sie beim täglichen Üben begleitet. Am Nachmittag gegen 16 Uhr, wenn Schule und Hausaufgaben absolviert sind, geht es ans Cello. Endlich. Denn das Cellospielen sei für Charlotte das Wichtigste im Leben und mache ihr „generell immer am meisten Spaß“, sagt die junge Cellistin.
Ihre Mutter erzählt: „So ist Charlotte aufgewachsen. So bin auch ich aufgewachsen. [Mit] Musik [zu leben,] ist einfach ganz normal. Sie gehört wie Essen und Trinken oder Atmen zu unserem Leben.“
Schon bevor Charlotte im Alter von vier Jahren mit dem Cellospiel begann, hatte sich herausgestellt, dass sie – genau wie ihre Mutter – über die Gabe des absoluten Gehörs verfügt: die Fähigkeit, Töne ohne Hilfsmittel wie einen anderen Bezugston exakt zu bestimmen.
Charlottes erster Celloprofessor bestärkte Mutter und Tochter, dieses Talent zu pflegen. Sei es doch eine Fähigkeit, die man im Grunde nicht erlernen könne, sehr wohl aber verlernen, erklärt Isabella Melkonian. Und so wurde es einfach immer im Unterricht und auch im täglichen Leben integriert.
„Das ist ganz schrecklich: Mamas Zahnbürste klingt in C und meine in Cis. Wir können nicht gemeinsam die Zähne putzen. Das hält man sonst nicht aus. Ganz schlimm“, veranschaulicht Charlotte lachend.
Aber bei all dem sei sie eigentlich ein ganz normales Kind, betont sie. Sie lese und bastele viel und habe viele Kuscheltiere. Früher habe sie auch Ballett getanzt und im Chor gesungen. Dafür fehle jetzt schlicht die Zeit.
„Ich unterstütze dich so gut ich kann, mit aller Liebe und vollem Einsatz“, versichert Isabella Melkonian ihrer Tochter.
Foto: privat
Nur aus Liebe und Leidenschaft
Ob sie das gar nicht kenne, frage ich Charlotte, dass, obwohl man etwas sehr stark möchte, sich wie magisch immer wieder andere Dinge dazwischen schieben und es einfach nicht dazu kommt, das zu tun, was man doch eigentlich möchte.
Sie verneint. Ihre Mutter ergänzt, diese Entschluss- und Willenskraft sei ein Charakterzug Charlottes. Neben ihrem Hauptziel, dem Cellospiel, sei dies auch in allen anderen Tätigkeiten zu spüren.
Ob es um das Umsetzen eines Plätzchenrezepts gehe oder eine Zusatzaufgabe in der Schule, die nicht einmal Einfluss auf die Note habe: Nie würde etwas „hingeschludert“.
„Es soll ja trotzdem schön werden und wenn wir es schon machen, dann auch richtig“, bekräftigt Charlotte.
Doch dies sei auch die Herausforderung für sie als Mutter, erzählt Isabella Melkonian: den Lernhunger ihrer Tochter zu stillen und dennoch für Ruhemomente zu sorgen, abzuwägen, wann etwas zu viel werden könnte. Schließlich bewältigt die Zwölfjährige nebenbei auch noch das Schulpensum, und das sehr gut.
„Die Abendeinheit [beim Üben zu Hause] ist die schönste. Da legen wir noch mal so richtig los und haben viel Spaß. Dann möchte ich immer weiterspielen und nicht ins Bett gehen“, erzählt Charlotte innig. „Außerdem bin ich eine Nachteule und spiele auch sehr gerne am Abend Konzerte.“
Das Gefühl beim Cellospielen sei sehr wohlig, beschreibt die Jungmusikerin und fährt fort: „Es ist so schön, wenn ich das Cello umarme und die Resonanz spüre. Es macht mich einfach glücklich, die unterschiedlichen Klangfarben zu zaubern und miteinander zu verbinden.“
Freiheit als Grundvoraussetzung für eine gesunde Seele
Im Jahr 2017 begann Charlottes Cellounterricht in der Cello Akademie Hamburg. Parallel dazu wurde sie bei ausgedehnten Aufenthalten in Jerewan, Armenien, im Komitas-Konservatorium ausgebildet. 2022 kam dann die wöchentliche Vorklasse am Institut zur Früh-Förderung musikalisch Hochbegabter an der Hochschule für Musik, Theater und Medien Hannover bei Prof. Martin Brauss mit den Fächern Musiktheorie, Gehörbildung und Rhythmik hinzu.
Für Charlottes Mutter war und ist das Entscheidende dabei, dass ihre Tochter sich wohlfühle und auf ihrem Weg als Profimusikerin glücklich ist. Immer mit der Option, dass Charlotte auch jederzeit einen anderen Weg einschlagen könne. „Denn“, so Isabella Melkonian, „um das durchzuhalten, muss man gesund sein und sich eine wirklich gesunde Seele bewahren.“
Die Liste ihrer Preise und Auszeichnungen ist lang. So erhielt Charlotte Melkonian den ersten Preis und den Sonderpreis des Europäischen Freundeskreises Berlin bei der „International Young Ludwig Competition“, den ersten Preis mit Auszeichnung beim „Hamburger Instrumental Wettbewerb“ sowie den ersten Preis bei der „International Geringas Cello Competition“ in Klaipėda, Litauen, um nur einige zu nennen.
Die Konzerttätigkeiten Charlottes umfassen – unter vielen anderen – Auftritte als Solistin in der Laeiszhalle Hamburg mit der HansePhilharmonie Hamburg, bei den Sommerlichen Musiktagen in Hitzacker, sowie Auftritte als Solistin im NDR mit der NDR Radiophilharmonie Hannover. Beim renommierten Sion Festival in der französischen Schweiz stand sie als Solistin mit dem Sion-Festival-Orchester auf der Bühne.
2025 spielte Charlotte mit den Göttinger Symphonikern unter der Leitung von Nicholas Milton das Cellokonzert von Camille Saint-Saëns. In diesem Jahr wird sie bei den Audi Sommerkonzerten in Ingolstadt mitwirken sowie auch wieder bei den Kammermusiktagen Mitte Mai in Hohenems.
Auf ihren Auftritt in der New Yorker Carnegie Hall angesprochen, erzählt sie, dass sie am Schluss des Konzerts am liebsten noch einmal gespielt hätte. So sehr habe sie den Auftritt und die Herzlichkeit des sie begleitenden Orchesters genossen.
„An der Stelle zu stehen, wo viele große andere Künstler schon standen“, sei etwas sehr Besonderes. Dass sie all die Konzerte auswendig spielt, ist dabei für sie eine Selbstverständlichkeit. So könne sie sich besser auf die eigentliche Musik konzentrieren.
Warum es für Sie kein Lampenfieber gibt? Keine Angst vor Fehlern? „Nein, ich weiß, dass nichts passieren kann, wenn ich gut vorbereitet bin.“ Und Fehler an sich seien auch nicht so schlimm.
Was sie sich für die Zukunft wünsche? „Mit vielen tollen Musikern zusammen spielen zu dürfen, mit großen Dirigenten und tollen Künstlern. Natürlich auch in tollen Konzertsälen und noch ganz viel lernen“. Und setzt, an die Mutter gewandt, nach: „Und dass wir immer zusammen musizieren.“
Charlotte Melkonian: „Wir reden immer den ganzen Tag über das Cellospiel und über Musik.“
Foto: Jannes Frubel
Charlottes Mutter, von Beruf Sängerin, lernte vom ersten Tag an das Cellospiel mit ihrer Tochter. Es sei ein gemeinsames Erarbeiten und auch Repetieren, sagt Isabella Melkonian, wobei das Singen ein zentrales Mittel sei, um Stücke zu erarbeiten und eine Vorstellung für die Tonkreation zu haben.
Foto: privat
Charlottes jetziges Cello ist von Stefano Scarampella aus Mantua, Italien, einem der besten Geigen- und Cellobauer des 20. Jahrhunderts. Sie erspielte es sich bei einem Wettbewerb der Deutschen Stiftung Musikleben.
Das 1870 gegründete Metropolitan Museum in Manhattan zeigt Kunst von der Antike bis zur Moderne und zählt jährlich rund sechs Millionen Besucher. (Archivbild) - Foto: diegograndi / iStock
Das renommierte New Yorker Metropolitan Museum und die für ihre Sammlung deutscher und österreichischer Kunst berühmte Neue Galerie fusionieren.
Ab 2028 werde die Neue Galerie als eine Art Außenstelle des schräg gegenüberliegenden Metropolitan Museums betrieben, sagte Museumsdirektor Max Hollein der Deutschen Presse-Agentur.
Die 2001 vom Kosmetikunternehmer und Kunstsammler Ronald Lauder gegründete Neue Galerie werde dann offiziell „The Met Ronald S. Lauder Neue Galerie“ heißen.
„Für die Kunstwelt bedeutet es, dass eine der wirklich besonders geliebten und besonderen kulturellen Institutionen in New York – die Neue Galerie, die Ronald Lauder aufgebaut hat – nicht nur erhalten wird, sondern dass das weiterlebt als genau das Museum, als die Idee, wie es geboren wurde“, sagte Hollein.
Der 56 Jahre alte Österreicher ist seit 2018 Direktor des Metropolitan Museums.
Metropolitan Museum bekommt „Ikonen der Kunstgeschichte“
Zudem bekomme das Metropolitan Museum damit eine Sammlung von „Ikonen der Kunstgeschichte“, sagte Hollein weiter – mit Werken von Künstlern wie Egon Schiele, Gabriele Münter, Oskar Kokoschka, Max Beckmann, Ernst Ludwig Kirchner, Wassily Kandinsky, Franz Marc und Paul Klee.
Damit werde „in einer unglaublich eindrucksvollen Form eine gewisse Lücke auch in der Sammlung des Metropolitan Museums“ geschlossen.
Das 1870 gegründete Metropolitan Museum am Central Park in Manhattan hat eine umfassende Sammlung aus aller Welt von der Antike bis in die Moderne, rund sechs Millionen Besucher pro Jahr und gehört zu den berühmtesten und renommiertesten Museen der Welt.
Mit den Cloisters im Norden Manhattans hat es bereits eine Außenstelle, wo hauptsächlich mittelalterliche Kunst gezeigt wird. Eine weitere Außenstelle für moderne und zeitgenössische Kunst – das unweit des Hauptgebäudes gelegene sogenannte „MetBreuer“ – wurde 2020 nach wenigen Jahren wieder aufgegeben.
„Goldene Adele“ ist Star der Neuen Galerie
Star der Neuen Galerie ist das Gemälde „Adele Bloch-Bauer I“ des österreichischen Jugendstilkünstlers Gustav Klimt (1862-1918), das Lauder 2006 zum damaligen Rekordpreis von 135 Millionen Dollar ersteigerte.
„Star der Neuen Galerie: Klimts ‚Adele Bloch-Bauer I‘, 2006 von Lauder für 135 Mio. Dollar erworben.“ (Archivbild).
Foto: DIETER NAGL/AFP / Getty Images
Die „Goldene Adele“ wurde zum Zuschauer-Magnet, zeitweise standen hunderte Menschen Schlange und bezahlten bis zu 50 Dollar, um das Werk aus der Nähe zu sehen.
Der Zusammenschluss mit dem Metropolitan Museum werde das Vermächtnis seiner Neuen Galerie nun „für die Ewigkeit erhalten und stärken“, sagte der 82 Jahre alte Lauder, der unter anderem auch Präsident des Jüdischen Weltkongresses ist.
Neben dem Gebäude – einem Jahrhundertwendebau an der noblen Fifth Avenue – und der aktuellen Sammlung wollen Lauder und sein Tochter Aerin dem Metropolitan Museum auch noch 13 Werke aus ihrer Privatsammlung schenken, darunter berühmte Gemälde von Klimt, Kirchner und Beckmann.
Für den laufenden Betrieb der „Met Ronald S. Lauder Neuen Galerie“ werde zudem ein Vermögensstock aufgesetzt, der bereits zu einem großen Teil finanziert sei, sagte Hollein.
Als Wiener sei er „etwas vorbelastet für die Begeisterung für diese Kunst“, sagte Hollein. Es fasziniere ihn aber jetzt schon, welche Möglichkeiten für Ausstellungen sich aus dem Zusammenschluss der Sammlungen des Metropolitan Museums und der Neuen Galerie ergeben. „Ich glaube, dadurch entstehen natürlich ganz neue Perspektiven, Blickfelder und natürlich auch Kontext.“ (dpa/red)
Shen Yun Performing Arts gab am Abend des 28. März 2026 im ausverkauften Four Seasons Centre for the Performing Arts in Toronto seine zweite Vorstellung der Saison. - Foto: May Huang/Epoch Times
In Kürze:
Sechs Vorstellungen in Toronto wurden zuvor wegen Drohungen abgesagt.
Polizei sieht keine glaubwürdige Gefahr, Ermittlungen laufen
Juni-Termine mit verstärkten Sicherheitsmaßnahmen bestätigt
Nach sechs abgesagten Vorstellungen Ende März und Anfang April infolge von Bombendrohungen gegen das Theater kehrt Shen Yun Performing Arts nach Toronto zurück. Im Juni wird das US-amerikanische Tanzensemble sein Programm „China vor dem Kommunismus“ im Four Seasons Centre in Toronto aufführen. Damit erhalten auch Tausende wartende Karteninhaber doch noch die Gelegenheit, die Aufführungen zu besuchen. Obwohl die Polizei von Toronto die Drohungen als unbegründet einstufte, wurden die Vorstellungen von der Theaterleitung im März vorsorglich abgesagt.
Die Vorfälle in Toronto ähneln mehr als 150 weiteren Bedrohungen, denen das in New York ansässige Ensemble für klassischen chinesischen Tanz in den vergangenen zwei Jahren ausgesetzt war. Auch die anschließenden Veranstaltungen in Vancouver Mitte April wurden durch Bombendrohungen überschattet. Die Polizei von Vancouver teilte mit, dass die verwendete Droh-E-Mail-Adresse identisch mit jener aus Toronto gewesen sei; zudem sei die zugehörige Telefonnummer in China registriert.
Erhöhte Sicherheitsstufe für Shows vom 26. bis 28. Juni
Der Falun Dafa Verein von Toronto, der lokale Veranstalter von Shen Yun, teilte mit, dass die Aufführungen nach der Bestätigung der Polizei, dass die Bombendrohungen nicht glaubwürdig seien, unter zusätzlichen Sicherheitsmaßnahmen stattfinden werden. Das Four Seasons Centre for the Performing Arts und der Veranstalter hätten sich auf verstärkte Schutzvorkehrungen verständigt, darunter Metalldetektortore, K-9-Einheiten, Polizeipatrouillen vor Ort sowie ein professionelles Sicherheitsteam, um einen sicheren Ablauf der Juni-Aufführungen zu gewährleisten.
Die verschobenen Vorstellungen sollen vom 26. bis 28. Juni nachgeholt werden. Ticketinhaber der ursprünglich ausgefallenen Termine vom 29. März bis 5. April würden für die Umbuchung kontaktiert. Weitere Informationen seien über die angegebene Website verfügbar, heißt es seitens des Veranstalters.
„Shen Yun Performing Arts ist weithin und international für seine Präsentation von klassischem chinesischem Tanz und Musik anerkannt, die ein reiches kulturelles Erbe durch künstlerische Darbietung zum Leben erweckt“, so der Verein in einer Erklärung. Weiter hieß es dort: „Die Rückkehr des Unternehmens nach Toronto außerhalb seines regulären Tourneeplans spiegelt ein starkes Engagement für das Publikum in dieser Stadt wider.“
Toronto, 29. März 2026: Der konservative Abgeordnete Roman Baber mit einem Shen-Yun-Programmheft vor dem Four Seasons Centre for the Performing Arts neben einem Shen-Yun-Moderator.
Foto: Epoch Times
Shen Yun wurde 2006 von führenden klassischen chinesischen Künstlern gegründet, um die traditionelle Kultur Chinas wiederzubeleben. Seither tritt das Ensemble weltweit unter dem Motto „China vor dem Kommunismus“ auf.
Die Künstler des Ensembles praktizieren Falun Dafa, auch bekannt als Falun Gong, eine spirituelle Meditationspraxis, die in China einst wegen ihrer gesundheitlichen Vorteile öffentlich anerkannt wurde. Laut chinesischen Regierungsstatistiken sollen in den 1990er-Jahren rund 70 bis 100 Millionen Menschen diese Praxis ausgeübt haben. Später wurde sie vom kommunistischen Regime als Bedrohung eingestuft und ab 1999 zur Zielscheibe staatlicher Verfolgung.
Die Absage der geplanten Vorstellungen im Four Seasons Centre war auch für Shen Yun eine Premiere. Die Organisatoren und Künstler bestätigten, dass in vergleichbaren Bedrohungslagen die Aufführungen bislang stets stattgefunden hätten, nachdem die Polizei Ermittlungen durchgeführt und die Bombendrohungen als unbegründet eingestuft hatte. Die Canadian Opera Company, der das Theater gehört und die es betreibt, erklärte, die Entscheidung zur Absage der Vorstellungen sei „aus reiner Vorsicht“ getroffen worden.
Ein Plakat von Shen Yun Performing Arts vor dem Four Seasons Centre in Toronto am 2. April 2026.
Foto: Teng Dongyu/Epoch Times
„Die Kommunistische Partei Chinas setzt Drohungen und Zwang ein, um die Menschen davon abzuhalten, unsere Aufführungen zu sehen. Wenn man zulässt, dass solche Druckversuche Erfolg haben, wird dies nur zu weiteren Einmischungen ermutigen“, sagte Jared Ren, Solotänzer von Shen Yun, am 2. April auf einer Pressekonferenz in Toronto nach den ersten beiden Absagen von geplanten Shows.
Laut den lokalen Organisatoren gab es in den vergangenen zwei Jahren Dutzende von falschen Bombendrohungen gegen Shen Yun in Kanada.
Erst kürzlich erhielt das Queen Elizabeth Theatre in Vancouver ebenfalls eine per E-Mail versandte Bombendrohung, kurz vor den für den 8. bis 12. April geplanten Shen-Yun-Aufführungen. In der Nachricht hieß es, dass eine „große Menge“ Sprengstoff im Theater platziert worden sei und gezündet werde, falls die Vorstellungen nicht abgesagt würden.
Die Polizei von Vancouver teilte mit, dass die Drohung nach einer Untersuchung als „unbegründet“ eingestuft wurde. Die Vorstellungen von Shen Yun Performing Arts fanden daraufhin planmäßig statt, wie ein Polizeisprecher bestätigte.
Die Cybercrime-Einheit der Polizei habe zudem festgestellt, dass die mit der verwendeten E-Mail-Adresse verknüpfte Telefonnummer in China registriert sei, wie die lokalen Organisatoren berichteten. Dieselbe E-Mail-Adresse sei auch im Zusammenhang mit Drohungen gegen Shen-Yun-Veranstaltungen in Toronto genutzt worden.
Bereits im vergangenen Jahr habe das taiwanesische Kriminalamt eine ähnliche E-Mail-Adresse im Zusammenhang mit Bombendrohungen gegen Theater untersucht und die Spur bis in die Region Xi’an in Zentralchina zurückverfolgt. In Taiwan seien laut Berichten der englischsprachigen Epoch Times mindestens 17 Droh-E-Mails an Behörden und Veranstaltungsorte in mehreren Städten gesendet worden, um Aufführungen zu verhindern.
Nach der Absage der Veranstaltungen in Toronto soll der Absender der E-Mail zwei weitere Nachrichten an die lokalen Organisatoren geschickt haben, in denen er nach eigenen Angaben seinen „Erfolg“ hervorhob und zugleich Verbindungen zur Kommunistischen Partei Chinas erwähnte.
In einer am 3. April an den Moderator der Show gesendeten E-Mail in chinesischer Sprache heißt es: „Der Vorfall im Toronto Four Seasons war mein erfolgreichster … Haha!“ Zudem wird geschrieben: „Kanada ist kaum ernst zu nehmen … nicht einmal die Kommunistische Partei meines Heimatlandes konnte den Shen-Yun-Moderator zum Weinen bringen, und ich habe es tatsächlich geschafft.“
Die Polizei von Toronto bestätigte, dass die Bombendrohungen im Four Seasons Centre unbegründet waren. Der Vorfall werde weiterhin untersucht, wie gegenüber der Epoch Times mitgeteilt wurde.
Der konservative Abgeordnete Costas Menegakis (2. v. l.) und der ehemalige konservative Abgeordnete Colin Carrie (r.) überreichen den Gastgebern von Shen Yun am 28. März 2026 im Four Seasons Centre for the Performing Arts in Toronto eine Urkunde.
Foto: Epoch Times
Mehrere kanadische Abgeordnete verurteilten die Einmischungsversuche gegen Shen Yun in Kanada und forderten die Wiederaufnahme der Aufführungen. „Die Kanadier sollten darüber sehr besorgt sein“, sagte der konservative Abgeordnete Garnett Genuis gegenüber der Epoch Times. „Es ist entscheidend, darüber zu sprechen und sicherzustellen, dass solche Veranstaltungen künftig nicht mehr abgesagt werden.“
Die liberale Abgeordnete Judy Sgro verurteilte das „eskalierende Muster ausländischer Einschüchterungsversuche“ auf kanadischem Boden. In einer Erklärung sagte sie: „Diese Organisation ist Ziel einer koordinierten Kampagne von Drohungen geworden, darunter falsche Bombendrohungen. Einige davon konnten auf Akteure zurückgeführt werden, die mit der Kommunistischen Partei Chinas in Verbindung stehen.“
Die Tickets für die neu angesetzten Shen-Yun-Aufführungen im Juni in Toronto sind über die offizielle Website erhältlich. Es handelt sich dabei um die letzten Termine der Shen-Yun-Welttournee 2026.
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![„Wo du bist, […] da werde auch ich sein“ - eine deutsch-amerikanische Geschichte über Loyalität und Liebe](/epochtimesde/news/wp-content/uploads/sites/2/2026/05/straustitanicsepia-420x280.0bef176772dbfe5533f98d1f24685842.webp)
