„Die Menschen suchen nach seltenen Objekten – nach wunderbaren Objekten“, sagt Tomaso Piva, ein charmanter Galerist aus Mailand, der sich auf venezianische Kunst des Barock und Neoklassizismus spezialisiert hat. In Richtung eines Tischschmucks aus der Mitte des 18. Jahrhunderts deutend fügt er hinzu: „Davon gibt es nur eines.“
„Es ist vollständig, es ist in hervorragendem Zustand zu uns gekommen – vor allem aber ist es eines: extrem selten“, so Piva gegenüber der englischsprachigen Ausgabe der Epoch Times.
Für Laien mag diese Miniatur-Gartenszene aus venezianischem mundgeblasenem Glas auf einem verspiegelten Sockel mit lackiertem Holz wie edler Trödel wirken. Ihre winzigen Blumen und Obstbäume in vergoldeten Vasen passen – zumindest vom Stil her – gut zu den romantischen Porzellan-Miniaturen meiner italienischen Urgroßmutter.
Tatsächlich ist der „Italienische Garten“ jedoch ein Meisterwerk in Museumsqualität. Er stammt aus der Werkstatt von Giuseppe Briati, dem berühmtesten venezianischen Glasmacher des 18. Jahrhunderts. Werke dieser Art tauchen nur selten auf dem freien Markt auf.
„Italienischer Garten“, ein Tischschmuck aus Murano-Glas der Mitte des 18. Jahrhunderts, ausgestellt von der Galerie Tomaso Piva auf der 34. Internationalen Biennale für Antiquitäten in Florenz, Italien, 26. September 2026.
Foto: Mit freundlicher Genehmigung der Tomaso Piva Gallery
Dieses Kunstwerk ist nur einer der Tausenden solcher Schätze, die dieses Jahr von über 80 Galerien auf der Internationalen Biennale für Antiquitäten in Florenz präsentiert wurden, darunter Ölgemälde alter Meister, Skulpturen, Textilien, Möbel und vieles mehr. Dieses exklusive Spektakel erstreckte sich über zehn Tage bis zum 4. Oktober, mit öffentlichen Ausstellungen und privaten Galaveranstaltungen in und um einen barocken Palast am Arno.
Als die Biennale im Jahr 1959 ins Leben gerufen wurde, wollten die Gründer an das Erbe Florenz’ als Hochburg humanistischer Kultur anknüpfen – „verstanden als eine gepflegte und leidenschaftliche Erneuerung ethischer, ästhetischer und spiritueller Werte“, so die Organisatoren.
Die italienische Renaissance, die im späten 14. Jahrhundert in Florenz begann, wurde durch eine Wiederbelebung der klassischen Antike vorangetrieben – von einem aufblühenden Interesse an Kunst, Literatur und Werten des antiken Griechenlands und Roms. Ihr Fokus auf menschliches Potenzial und Emotion, natürliche Schönheit und bürgerliche Tugend führte zu einem jahrhundertelangen, beispiellosen Aufschwung und bahnbrechenden Errungenschaften, welche die westliche Zivilisation veränderten.
In einer Zeit, die von der Allgegenwart und der rasanten Veralterung im digitalen Zeitalter geprägt ist, bietet die Biennale eine erfrischende Gegenbewegung: eine Hommage an handwerkliches Können und akribische Restaurierung, eine Würdigung zeitloser Schönheit und praktisches Wissen, das über Generationen weitergegeben wurde.
Auch bei jüngeren Generationen wächst das Interesse an analogem Leben und Authentizität als Luxus. Der Antiquitätenmarkt boomt. Die Mischung aus alten und modernen Werken auf der Messe, die in diesem Jahr bis zum Ende der 1990er-Jahre reichte, knüpft an eine steigende Tendenz in der zeitgenössischen Kunstwelt an, in der die Grenzen zwischen bildender Kunst und dekorativer sowie funktionaler Gestaltung zunehmend verschwimmen.
Unter einem neuen Leiter scheint die Biennale bestrebt, einen zukunftsorientierten Dialog zu fördern, in dem die Klassiker nicht nur als Zuflucht oder vermarktbare Nostalgie sind, sondern vielmehr eine Möglichkeit darstellen, unsere heutige Kultur zu verstehen und sich mit ihr auseinanderzusetzen.
Kunstwerke säumen einen Flügel des Palazzo Corsini während der 34. Internationalen Biennale für Antiquitäten in Florenz, Italien, im September 2026.
Foto: Dario Borruto
Ein gerahmtes, handgeschnitztes Holzkunstwerk mit der florentinischen Intarsientechnik „pietre dure“.
Foto: Dario Borruto
Jean-Baptiste Oudrys „Der Fischer und der kleine Fisch“, signiert und datiert 1739, ausgestellt von der Voena Gallery.
Foto: Dario Borruto
Geheimnisvolle Zeichnung von Michelangelo
Im Gespräch mit der englischsprachigen Ausgabe der Epoch Times beschrieb Bruno Botticelli, Generalsekretär der Biennale, eine Vision für den Antiquitätenhandel im digitalen Zeitalter.
„Ich denke, im Moment sind Digitalisierung und Künstliche Intelligenz Werkzeuge, die wir etwa in sozialen Medien nutzen. Aber dann bringen wir das Physische ins Spiel, wie den Michelangelo hier“, sagte er mit Verweis auf eine unvollendete Zeichnung von Michelangelo Buonarroti, die im Thronsaal des Palazzo Corsini ausgestellt ist.
„Zeichnung Nr. 45 A“ ist ein Herzstück der Biennale – nicht nur wegen ihrer Bedeutung unter den erhaltenen Werken des Renaissance-Meisters, einem Perfektionisten, von dem bekannt ist, dass er viele seiner eigenen Zeichnungen verbrannte, sondern auch bezüglich des mühevollen und sich ständig weiterentwickelnden Restaurierungsprozesses, der traditionelles Fachwissen mit neuer Technologie vereint.
Die von Papst Leo X. im Jahr 1516 in Auftrag gegebene Zeichnung Michelangelos zeigt eine Studie für die Marmorfassade der Basilika San Lorenzo; sie wurde in mehreren Schichten mit Silberstift, Bleistift und Tinte ausgeführt. Nach Aussage von Cristina Acidini, Präsidentin der Casa-Buonarroti-Stiftung, die die größte Sammlung der Werke des Künstlers bewahrt, sollten die klassischen Formen der römischen Antike an eine christliche Glaubensstätte angepasst werden. Es handelt sich um einen Teil aus einer Serie unvollendeter Entwürfe, die der Künstler vermutlich vorlegte, bevor der Papst den Vertrag im Jahr 1521 annullierte, „was Michelangelo bestürzt und traurig stimmte“, wie Acidini kürzlich in einem Artikel schrieb.
Bruno Botticelli, Generalsekretär der Internationalen Biennale für Antiquitäten (l.), und Cristina Acidini, Präsidentin der Casa-Buonarroti-Stiftung, die die weltweit größte Sammlung von Michelangelo-Zeichnungen beherbergt, vor dem unvollendeten Werk des Renaissance-Meisters im Palazzo Corsini in Florenz, Italien, am 24. September 2026.
Foto: Beige Luciano-Adams/The Epoch Times
Derzeit untersucht ein Team aus Restauratoren, Chemikern, Physikern, Kunsthistorikern und forensischen Künstlern die Zeichnung, um die Techniken des Künstlers zu begreifen, heißt es seitens der 1588 gegründeten Organisation Opificio delle Pietre Dure, die das Restaurierungsprojekt überwacht.
Bevor diese Arbeit beginnt, müssen Experten Michelangelos auf den ersten Blick wirkende „einfache“ Technik rekonstruieren und verstehen, wie Zeit und Konservierung die Zeichnung über die Jahrhunderte verändert haben könnten – ein Prozess, den Emanuela Daffra, Direktorin der Organisation, als „ein Gleichgewicht zwischen Hand, Auge, Geschichte und Wissenschaft“ beschreibt.
„Was wir brauchen, ist Zeit“
Die Idee der Biennale, so Botticelli, bestehe nicht nur darin, materielle Relikte zu kuratieren, sondern auch Raum für die Geschichten und Prozesse zu schaffen, die mit ihrer Entstehung und Erhaltung verbunden sind.
„Ich denke, was wir brauchen, ist Zeit. Ich höre immer nur, dass man mit Digitalisierung Dinge schneller erledigen kann. Damit schafft man in zwei Minuten, wofür man vor einem Jahr einen Tag brauchte – aber ich will meinen Tag. Ich will meine Zeit“, sagte Botticelli. Dabei entschuldigte er sich für sein Englisch und seinen toskanischen Dialekt. „Es ist die Sprache Dantes“, sagte er.
Digitalisierte Meisterwerke gewinnen zunehmend an Bedeutung, wenn es darum geht, um Kunstwerke zu präsentieren, ohne sie physisch transportieren zu müssen. Das zeigte sich auch während der Biennale. Im Palazzo Corsini lagen Karten von Kunstwerken aus, die mit einer patentierten Technologie einer italienischen gemeinnützigen Organisation erstellt wurden.
Doch Botticelli betont, dass die physische Präsenz von Kunst und Antiquitäten weiterhin von größter Bedeutung sei: „Der Geruch des Lacks, der Geruch des Wachses – es ist wie beim menschlichen Körper.“
Ein meisterhaftes Ölgemälde oder ein mit traditionellen, kunstvollen Holzeinlegearbeiten verziertes Möbelstück betrachtet er als lebenden Organismus.
„Sie werden immer älter, das Holz wird immer trockener, trockener und trockener, also muss man es wachsen. Sie leben noch immer. Und ich denke, der Sinn unseres Tuns liegt darin, dass wir eine Beziehung zu lebendigen Dingen und lebenden Menschen haben. In der Antiquitätenbranche gilt das nach wie vor.“
Ein Besucher betrachtet Werke am Stand des neapolitanischen Galeristen Roberto Campobasso auf der 34. Internationalen Biennale für Antiquitäten in Florenz, Italien, am 25. September 2026.
Foto: Beige Luciano-Adams/The Epoch Times
„Eine aussterbende Kunst“
Im Schatten der Biennale, in einer schmalen Straße nur wenige Häuserblocks vom Palazzo Corsini entfernt, sitzt Franco Macciò vor seinem Antiquitätengeschäft namens Vecchie Cose – wörtlich „alte Dinge“ – und plaudert mit Nachbarn.
Macciò, seit 42 Jahren im Geschäft, begann im Alter von 14 Jahren seine Ausbildung und lernte, wie man Leinwand- und Holzgemälde restauriert.
Heute, so sagt er, sei die Branche durch eine Elite von Restaurierungsexperten auf Museumsniveau hochprofessionell. Jedoch gebe es nur wenige Handwerker, welche die alltägliche Erhaltungsarbeit verrichten. Zudem hätten Händler Mühe, ihre Ware zu verkaufen.
Restaurierung und Antiquitäten seien „eine aussterbende Kunst“, erklärt Macciò. Er biete Restaurierungsarbeit nur noch als kostenlosen Service für Kunden an, die auch etwas bei ihm kaufen.
„Die Möbel – niemand will sie kaufen, nicht einmal, wenn ich sie verschenke“, schildert er gegenüber der englischsprachigen Ausgabe der Epoch Times.
Auch die gegenständliche Malerei sei im Gegensatz zu früher weniger beliebt, während abstrakte und zeitgenössische Kunst weiterhin stark gefragt sei.
Während in den vergangenen Jahrzehnten hauptsächlich Einheimische zu seinen Kunden zählten, erzielt er heute seine Einnahmen überwiegend durch Touristen, was sie unbeständig und saisonabhängig macht. Aber es gibt noch eine weitere Hürde: Wenn Amerikaner oder andere zahlungskräftige Besucher auf der Suche nach großen Ölgemälden sind, geben sie oft auf, sobald sie auf Schwierigkeiten mit dem Versand oder einer Ausfuhrgenehmigung stoßen.
(l.) Händler und Sammler besuchen den Palazzo Corsini, um einen ersten Einblick auf die Internationale Biennale für Antiquitäten in Florenz, Italien, am 25. September 2026, zu erhalten.
Foto: Beige Luciano-Adams/The Epoch Times
„Müde Bacchantin“, eine Marmorstatue von Giovanni Duprè (Mitte der 1850er-Jahre), ausgestellt von der Galleria Gomiero auf der 34. Internationalen Biennale für Antiquitäten in Florenz, Italien, am 26. September 2026. Die Statue erhielt den Skulpturenpreis der Biennale 2026.
Foto: Beige Luciano-Adams/The Epoch Times
Neue Regelungen erleichtern Export
In Italien galten lange Zeit strenge Schutzbestimmungen darüber, welche Kunstwerke unter welchen Bedingungen das Land verlassen dürfen. Durch jüngste Gesetzesänderungen ist dies gelockert worden.
„Die Regierung hat die Tür geöffnet“, so Botticelli mit Blick auf eine kürzlich erfolgte Anhebung des Schwellenwertes von 13.500 Euro auf 50.000 Euro, unterhalb dessen ein Export ohne Genehmigung möglich ist.
Dies gilt für Werke verstorbener Künstler, die vor mehr als 70 Jahren entstanden sind, jedoch nicht für Antiquitäten, archäologische Funde oder seltene Manuskripte.
„Wir haben viele Meisterwerke auf dem Markt, mehr als jedes andere Land, und jedes Jahr entdecken wir noch mehr“, sagte Botticelli. Er befürworte die Gesetzesänderung, teile aber auch die Ansicht, dass Italien sein einzigartiges Kulturerbe schützen solle.
„Das ist die bedeutendste Messe Italiens. Man kommt nur auf Einladung hinein, und die Händler sind die besten – mich vielleicht eingeschlossen“, so Paolo Antonacci lachend. Der Galerist hat sich auf „Ansichten des 19. Jahrhunderts“ spezialisiert.
Zu den auf der 34. Internationalen Biennale für Antiquitäten in Florenz, Italien, gezeigten Werken von Attilio Cecchetto Antiquario gehört ein Trumeau aus Walnuss-Maserholz im Stil Ludwigs XV. aus der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts; Florenz, Italien, am 26. September 2026.
Foto: Beige Luciano-Adams/The Epoch Times
Wie Antonacci sind die allermeisten Anbieter der Biennale – etwa 85 Prozent – Italiener, die sich auf italienische Kunst spezialisiert haben.
„Italienische Kunst ist eine internationale Marke“, sagte Botticelli. „Wir brauchen keine chinesische Kunst, um international zu sein. Auf diese Weise verliert man seine Identität.“
Eine Fülle von Meisterwerken
Direkt gegenüber dem Palazzo Corsini, auf der anderen Seite des Flusses, feierte Roberto Casamonti – einer der mächtigsten Galeristen Italiens und Teilnehmer der Biennale – die Eröffnung eines erweiterten Museums in einem historischen Gebäude. Seine private Sammlung, die Collezione Casamonti, umfasst rund 250 bedeutende moderne und zeitgenössische Werke und ist in einem Palast aus dem 19. Jahrhundert untergebracht. Verteilt auf 28 Zimmer führt sie durch die italienische und internationale Kunst vom späten 19. Jahrhundert bis zur Gegenwart.
„Eine derart breit gefächerte Auswahl von Werken zusammenzustellen, bedeutet, mit der Öffentlichkeit nicht nur außergewöhnliche Werke zu teilen, sondern auch ein persönliches und kulturelles Tagebuch, das sich weiterentwickelt“, erklärt Casamonti.
Seine Tornabuona Arte, die sich durch Galerien für moderne und zeitgenössische Kunst einen Namen gemacht hat, ist ein Paradebeispiel für die Hinwendung zur antiken Ästhetik. Sie wurde kürzlich um Gemälde, Skulpturen und Möbel vom Mittelalter bis zum 19. Jahrhundert erweitert, insbesondere von Meistern der Renaissance und des Barock.
Fabio Benzi, Kunsthistoriker und Professor an der Universität Chieti-Pescara, ggehörte zu den Tausenden VIP-Gästen, die am Tag vor der offiziellen Eröffnung der Biennale geladen waren.
„Man findet viele Stände mit Werken der Renaissance sowie zahlreiche zeitgenössische Kunstwerke, aber bei zeitgenössischer Kunst ist der Markt größer als bei antiker Kunst oder Werken aus der Renaissance, dem Barock und dem 19. Jahrhundert“, so Benzi gegenüber der englischsprachigen Ausgabe der Epoch Times.
Obwohl der Trend im Allgemeinen in Richtung zeitgenössischer Kunst gehe, zeige sich der Markt zunehmend offen für einzigartige historische Stücke.
Gemälde auf der 33. Internationalen Biennale für Antiquitäten in Florenz, Italien, im September 2024.
Foto: Dario Borruto, Antonello Tofani
Ein Besucher betrachtet ein Gemälde auf der 33. Internationalen Biennale 2024.
Foto: Dario Borruto, Antonello Tofani
Zwei Besucher betrachten ein Gemälde auf der 33. Internationalen Biennale 2024.
Foto: Dario Borruto, Antonello Tofani
Detail eines antiken Kunstwerks auf der 33. Internationalen Biennale 2024.
Foto: Dario Borruto, Antonello Tofani
„Eine visuelle Bildung“
In einem winzigen Laden nicht weit von der Biennale hält die Kunsthistorikerin Giuliana Grillotti eine Wandleuchte aus dem 17. Jahrhundert in den Händen und verweist auf die Blattvergoldung, den originalen Quecksilberspiegel und das handgeschnitzte Holz.
„Kunst war schon immer eine visuelle Bildung“, schildert sie gegenüber der englischsprachigen Ausgabe der Epoch Times. „In der Vergangenheit, denken Sie an Kirchen voller Fresken, die Jesus oder Geschichten vom Jüngsten Gericht darstellen. Oder die griechische Mythologie – sie half den Menschen zu verstehen, wie sie leben, ihre Gefühle.“
Die Kunsthistorikerin ist umringt von jahrhundertealten Relikten – Tabernakel, Statuen, Spiegel, Rüstungen in Kindergröße – gemischt mit Reproduktionen, die ihr Mann, ein Restaurierungsexperte, angefertigt hat.
„Wenn man heute etwas wissen will, kann man es genau und sofort erfahren“, sagt Grillotti. „Aber Kunst ist in erster Linie immer ein Gefühl. Wenn man sich Zeit nimmt, innezuhalten und ein Gemälde oder eine Statue zu betrachten, vermittelt sie, was dies für die Menschen jener Zeit bedeutete, aber auch, was es heute für uns darstellt. Es ist wie ein Zeugnis der Vergangenheit – was die Menschen gern taten, was sie zu tun versuchten.“
Die Kunsthistorikerin Giuliana Grillotti steht am 26. September 2026 zwischen Werken in AMart Firenze, der Kunsthandwerkswerkstatt und Boutique mit Antiquitäten und Reproduktionen, die sie mit ihrem Mann in Florenz, Italien, betreibt.
Foto: Beige Luciano-Adams/The Epoch Times
In einer Zeit, in der es immer weniger Geheimnis gebe, seien derartige Vermächtnisse besonders kraftvoll, meinte sie.
Man denke an den Dom mit der bis heute größten jemals errichteten gemauerten Kuppel – jenes architektonische Wunderwerk des Renaissance-Meisters Filippo Brunelleschi in der nahe gelegenen Kathedrale Santa Maria del Fiore.
„Es war ein Experiment. Man kann bis heute nicht genau erklären, wie er es geschafft hat. Er wollte es geheim halten“, so Grillotti.
Italiener hätten das Glück, von so viel Schönheit umgeben zu sein, schildert die Kunsthistorikerin weiter.
„Aber das liegt nicht daran, dass alle Menschen hier glauben, dass es wichtig ist. Es ist den Menschen zu verdanken, die erkannt haben, dass Kunst eine visuelle Bildung ist … Und wenn man die genaue Geschichte hinter einem Gemälde nicht kennt, ist es das Gefühl, das vermittelt – die Art und Weise, wie wir etwas so Persönliches wahrnehmen“, sagte sie.
Die Kathedrale Santa Maria del Fiore in Florenz, Italien, am 3. Dezember 2025. Florenz war das Zentrum der italienischen Renaissance.
Foto: Luyi Liu/The Epoch Times
Böhmischer Einfluss auf venezianische Glaskunst
Wie viele Objekte auf der Biennale ist auch Giuseppe Briatis „Italienischer Garten“ von einer Geschichte umrankt, die Jahrhunderte zurückreicht. Anfang des 18. Jahrhunderts war der europäische Adel geradezu besessen von böhmischem Kristall, einem glänzenden, widerstandsfähigen Glas, das Handwerker wie Edelsteine bearbeiten konnten, um atemberaubende Effekte zu erzielen – Kerzenlicht wurde in prunkvollen Kronleuchtern gebrochen, die Barock- und Rokoko-Paläste erhellten.
Als ein Monopol für böhmisches Kristall die venezianischen Glasmacher aus dem Geschäft zu verdrängen drohte, reiste Briati nach Böhmen, in die heutige Tschechische Republik. Dort wollte er sich die streng gehüteten Geheimnisse der Handwerker aneignen. Daraus entwickelte er einen neuen Stil, der die venezianische Glasmacherei wieder zu einer elitären Kunst erheben sollte, unter anderem mit seinen Rezzonico-Kronleuchtern.
Briatis Wiederbelebung des Murano-Glases, benannt nach der venezianischen Insel, auf der die Handwerker traditionell ansässig waren, zeigt beispielhaft, wie Künstler durch Technologien die Zukunft ihres Handwerks radikal veränderten – in diesem Fall mit einer chemischen Formel, welche die Werke schöner und widerstandsfähiger machte.
Kronleuchter, ausgestellt am 29. August 2010 in der Glasmacherei Archimede Seguso auf der Insel Murano in Venedig, Italien. Murano ist seit dem 13. Jahrhundert das Zentrum der italienischen Glasmacherei.
Foto: Vincenzo Pinto/AFP Photo via Getty Images
Wer tritt das Erbe an?
Heute nutzen Antiquitätenhändler digitale Technologie, um die Konservierung voranzutreiben und das Interesse an Relikten der Vergangenheit zu fördern. Manche hoffen, damit die ästhetischen und spirituellen Werte wiederzubeleben, die sie geprägt haben.
Im Hinblick auf die Frage, ob eine neue Generation das Erbe des Antiquitätenhandels antreten werde, sieht Botticelli Anzeichen dafür, dass junge Menschen Ästhetik und Rituale schätzen – etwas, das in der heutigen Zeit der Hypervernetzung und sofortigen Befriedigung überholt erscheinen könnte.
Er erinnert sich an eine kürzliche Reise nach Japan, wo er eine liebenswerte Kaffeekultur und junge Menschen erlebte, die einen entschleunigten Lebensstil bevorzugten.
„Ich denke, wir können junge Menschen in diesen Markt einbeziehen, wenn sie die Schönheit der Langsamkeit entdecken“, sagt er. „Wenn sie glauben, das Leben sei an einem einzigen Tag vorbei, dann ist diese Branche nichts für sie.“
Während die Biennale weiter wächst und neue Epochen künstlerischer Ausdrucksformen einbezieht, macht deren Generalsekretär klar, dass sich der Maßstab für ein Meisterwerk – auch im Hinblick auf Design und dekorative Kunst – stets verändert.
„Schauen Sie in die Modewelt. Bis vor fünf Jahren schien sie der beste Markt zu sein, sie wuchs. Jetzt bricht sie ein“, sagt er. „Alle Modelabels verkaufen nur noch in wenigen sehr reichen Ländern, aber in Europa sind die Läden leer.“
Es sei jetzt nicht mehr angesagt, Kleidung von Gucci zu tragen. „Es ist besser, ein Vintage-Stück zu besitzen“, so Botticelli.
Dieser Artikel erschien im Original auf theepochtimes.com unter dem Titel „They Carry the Torch for Treasures of the Renaissance. We Met Florence’s Antiquarians.“ (Übersetzung und redaktionelle Bearbeitung: sua)
